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큐레이터의 단상/전시 소개

모두의 소장품 / 서울시립미술관

2020. 5. 30.

 

며칠 전 서울시립미술관 도서관에 자료찾을 일이 있어 출장을 다녀왔다.

가까운 곳에 미술관, 박물관들이 모여있으니 새삼 편하고 좋다.

평일 오전이어서 관람객은 거의 없었고,

온 김에 전시부터 보자는 생각으로 전시실로 들어갔다.

 

서울시립미술관이 소장하고 있는 작품들을 중심으로 한

<모두의 소장품> 전시를 하고 있었다.

1층은 미디어 아트 작품들이 많았는데

차분히 볼 시간은 없어 훓어보고 나왔다.

 

2층 전시에서는 전통 회화, 도자를 현재의 시점으로 재해석한 작품들이 많았다.

동아시아 미술사를 전공한 나의 흥미를 끌기 충분했다.

나중에 전시할 때 참고할 생각으로

금세 보고 나오리라는 생각은 금세 잊은채

작품들과 작가들을 꼼꼼히 살펴보고 나왔다.

 

 

2층 전시실 입구에 있는 전시 설명.

획이 끊긴 듯이 보이는 컷팅 글자들이 가독성은 낮지만

디자인적으로 괜찮아 보인다.

서울시립미술관은 홈페이지에서도 쉽게 볼 수 있듯이

선의 끊김을 MI(Museum Identity)로 삼고 있는 듯하다.

 

암튼 전시 내용은 이러하다.

 

이수경, <이동식 사원 2008>, 2008

 

예전에 근대회화 전시를 할 때 깨달은 것인데,

유독 그 시기에 산 길을 걷는 나그네 등 인물의 뒷모습을 자주 그렸다.

스산함, 향토적인 풍경을 극대화하기 위한 장치로 그린게 아닐까?

그만큼 사람의 뒷모습만큼 쓸쓸함을 상징하는 것은 없을테니.

 

고려불화의 부처, 보살들의 뒷모습을 그린 작품

막연한 상상으로 그린게 아니라 실제 전해지는 고려불화들을 기반으로 그린 것이다.

기법도 석채 등 최대한 고려불화 원작 기법에 맞게 그렸다고 한다.

뒷모습의 종교화라니.

불교 신자가 아님에도 묘한 감정을 불러 일으켜주었다.

 

신미경, <트랜스레이션 : 청화백자 시리즈>, 2009-2013

 

처음에는 흔한 도자기를 복원하듯 만들어

고급스러운 좌대가 아닌 유물 박스 위에 놓음으로써

문화재란 무엇인가, 명품이란 무엇인가에 대해 물음을 던지는,

흔한 작품이겠다는 생각을 했다.

 

혹시나 싶어 작품 캡션을 보니

세상에..

이게 도자기가 아니라 비누로 만든 것이란다.

설명문에는 이렇게 써있다.

 

"특정한 시대와 장소에서 만들어진 문화가 다른 시간과 공간에서 해석될 때, 아무리 정확하게 번역한다 해도 분명히 존재할 수밖에 없는 의미의 변화나 이해의 차이를 드러낸다."

 

가까이 가서 마스크를 벗었다.

비누향이 감돌았다.

 

마스크 얘기가 나와서 생각난 건데,

SNS에서 떠도는 말 중에 "마스크를 쓰지 않고 다니던 날들이 전생같다"는 말이 있다.

 

우리가 세상을 파악하는 데 반드시 필요한 감각 중 2개를 차단한채

살아가는 요즘을 생각하면 기묘하고, 서글픈 느낌이 든다....

는 무슨.

 

필요한 때니까 쓰는거고, 필요없게 되면 안쓰면 되는거지 뭐. ㅎㅎ

이럴 때일수록 사소한 것에 의미를 두지 않는 무던한 자세가 필요하다.

그래야 버틸 수 있는 힘을 가질 수 있다고 믿는 편이다.

 

 

어제부터 코로나19 때문에 다시 휴관에 들어갔는데,

다시 오픈하면 꼭 가까이 가서 마스크를 벗어보시길.

 

최해리, <무중력설죽하매한란사방위>, 2016

 

중국 원대 조맹견, 왕면 등 미술사에서 기라성 같은 화가들의 작품을 모티프로 삼되,

제목에서 알 수 있듯이 위치를 자유분방하게 배치한 작품이다.

원본과 복제라는 구분, 상위와 하위라는 위계가 사라진 지금의 문화를 보여준다.

 

나는 미술 작품의 위계만큼은 사라지지 않을 것이고,

사라져선 안된다고 생각한다.

 

강의할 때 늘 예시로 드는 이야기가 있다.

 

만약 레오나르도 다 빈치의 <최후의 만찬>과

이름 모를 아프리카 원주민의 토속 마스크를 놓고 본다면

어느게 더 중요하다는 느낌이 드는가?

 

살아오면서 받은 교육의 효과도 무시할 수는 없지만,

대부분 다빈치 것이 중요하다는 생각을 가질 것이다.

 

이 생각은 반은 맞고, 반은 틀리다.

문화는 수평과 수직의 측면에서 고루 구분하여 봐야되기 때문이다.

 

다양성의 측면에서 보자면,

토속 마스크는 아프리카의 역사 · 민속사 측면에서 중요하다.

<최후의 만찬>은 이탈리아 역사 · 미술사 측면에서 중요하다.

그러므로 우열을 가리기가 어렵다.

수평 즉, 다양성의 가치에서만 보면 너도 좋고, 나도 좋고, 다 좋은 것이 된다.

이러면 미술 작품의 특징이 모호하게 된다.

 

반대로

수직의 측면, 즉 그 중에서도 조금 더 가치가 있는 것을 본다면

다 빈치의 <최후의 만찬>이 문화사에 기여한 점이 더 크다는 것을 기억해야 한다.

이후 500여 년간 서양문화사의 트렌드를 바꿨고,

미술기법의 전형이 되어줬기 때문이다.

 

이렇듯 미술 문화에는 싫어도 어쩔 수 없는 위계가 존재한다.

모든 것이 다 똑같이 가치있다는 생각은

문화의 퇴보를 가져오게 될 것이다.

 

쉽게 말해 전람회의 <기억의 습작>처럼 생명력이 긴 음악이

분명 존재하는 반면,

언제 나왔는지도 모를 사라진 음악도 있다는 것을 떠올리면 된다.

 

우리는 현재 평등의 시대를 살고 있다.

성별, 나이, 경제력 등에 구애받지 않고

모든 사람은 가치있는 존재라고 여기는,

혹은 그렇게 되기 위해 노력하는 시대를 살고 있다.

여기까지는 옳다.

 

하지만 이러한 관점을 문화에도 강제 적용하는 것은 반대한다.

 

다시 한 번 강조하지만,

문화의 위계를 억지로 없애려는 시도는

결국 문화의 무미, 무취, 그리고 무의미를 가져올 것이다.

 

최해리, <자서전>, 2016
최해리, <실재가 되지 않은 수선화라니>, 2016
최해리, <후사의 징후>, 2016
최해리, <훼>, 2020

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미술관에 書 : 한국 근현대 서예전 / 국립현대미술관 덕수궁관

2020. 5. 7.

"書者, 散也."

전시를 모두 보고 나오는데 마지막 벽에 써있던 문장입니다. 중국 한나라의 채옹이 쓴 문장으로 직역하자면, "글씨는 흩뜨리는 것이다"는 의미이죠. 흩뜨리는 것의 대상은 마음입니다. 즉 글씨란 솔직한 마음을 풀어야 제대로 된 글씨라는 얘기입니다.

우선 이 전시는 근대의 서예가들의 작품부터 그들을 계승한 현대의 서예까지 전개 양상을 확인할 수 있습니다. 또한 유럽 · 미국의 추상회화를 그대로 수용하는 데 그치지 않고, 서화용필동법(글씨와 그림은 붓 쓰는 방식이 같다), 서화동원(글씨와 그림의 근원은 같다)의 전통 위에 받아들여 독창적으로 발전시킨 이응노 등의 문자추상, 서체추상도 감상할 수 있습니다.

미술사적 의미가 깊은 작품들이 주를 이루지만, 서예의 필선을 재기발랄하게 펼쳐낸 작품들도 많아 '선의 향연' 속에서 안복(眼福)을 마음껏 누릴 수 있었습니다. 참고로 저는 '안복(眼福)' 이런 말, 오글거려서 회피하는 편인데 어제 본 이 전시는 이 단어말고는 달리 표현할 길이 없더군요. ㅎㅎ

서체를 기반으로 한 디자인 섹션까지 총 4개의 전시섹션을 모두 보고 나오는 데 마지막 벽에 써있는 채옹의 "書者, 散也."를 의역한 "서는 내면의 정감을 토로하는 예술이다"는 문장을 보고 전시의 마침표를 잘 찍었다는 감탄을 하게 되었죠. 많은 작품들을 보고 나오던터라 자칫 머릿속이 와글와글해질 수 있던 차였는데 이 전시의 핵심 메시지를 다시 보여주며 서예가 지닌 미적 가치의 근본을 다시 상기시켜준다는 생각이 들었습니다.

이 전시를 기획한 학예사에게 마지막 이 문장 누구 아이디어냐, 참 센스있고 전시 감상의 마무리를 잘 매조지을 수 있게 해주더라며 물으니 쑥스러워 하더군요. ㅎㅎ

코로나19로 전시 준비를 다 마쳐놓고도 휴관 상태에 있다가 어제 개막을 했습니다. 아직은 위험하기에 홈페이지에서 사전 예약한 사람들만 관람할 수 있는데 예약이 어려운건 아닌 듯합니다. 신분증과 마스크는 필수이고요. 사진에서 볼 수 있듯이 전시 디자인도 기존의 단조로운 화이트큐브형에서 벗어나 입체감있는 공간으로 꾸몄기에 전시실 다니는 맛도 좋습니다. 이 전시를 통해 동아시아 서화 전통의 본령이 무엇인지 알아갈 수 있는 기회가 되길 바랍니다 :)

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과거와 현재의 경계

2020. 5. 1.

 

처음 올라가 본 서울역 옥탑.

옛 모습과 현재의 건축 설비가 얼기설기 혼재되어 있다.
여기로 이직할 때 면접에서

"이곳의 전시를 보며 과거와 현재의 경계에 서있는 느낌이 좋았다"고 말한 바 있다.

이 경계를 관람객에게 보여주는게 내 큐레이팅의 목표이다.

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우리 강산을 그리다 / 국립중앙박물관

2019. 10. 20.

조선시대 회화에서 처음으로 중국인이 아닌  도포를 입고 갓을  조선 선비의 모습이 삽입된 시기가 , 정조 때이다많은 논쟁이 있지만, 조선 후기가 확실히 주체성이 확립된 시기인 것은 분명해 보인다폐막이 얼마 남지 않아 부랴부랴 다녀온 국립중앙박물관 <우리 강산을 그리다>전에서.

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<디에고와 프리다, 그들이 함께한 순간들 사진展> in 군립청송야송미술관

2019. 7. 25.


7월 27일부터 8월 25일까지 디에고 리베라와 프리다 칼로 관련 사진전을 합니다.

20세기 초 멕시코에서 미국까지 벽화주의 미술의 유행을 이끌었던 디에고 리베라와 초현실주의 미술을 대표하는 프리다 칼로의 이런저런 모습을 사진으로 볼 수 있는 전시입니다.

1. 디에고 리베라


디에고 리베라는 1차 대전 이후 미국의 산업풍경을 그린 거대한 벽화로 멕시코에 이어 미국에서도 유명해졌습니다. 마침 미국은 뉴딜 정책의 일환으로 미술가들에게 공공벽화 작업을 일자리로 제공하고 있던 참이었죠.

유명해진 디에고 리베라는 1932년에 뉴욕 록펠러 가문에게 RCA빌딩 벽화를 의뢰받았습니다. 그런데 벽화 안에 그려진 레닌의 초상화 때문에 결국 이 벽화는 파괴되었습니다. 레닌을 지우라는 여론에 굴복하지 않고 대신 미국의 영웅들을 추가했는데도 말이죠.

대신 이 사건은 그를 미국 미술가들의 영웅으로 추앙받게 해주었습니다. 곧이어 등장했던 잭슨 폴록도 학습기에 이 벽화주의의 영향을 크게 받았습니다.

2. 프리다 칼로


프리다 칼로는 불운한 사고, 역경을 딛고 일어선 화가, 초현실주의 등으로 유명하지만 저는 프리다 칼로를 생각하면 특히 그녀와 레온 트로츠키 사이의 짧은 만남이 떠오르곤 합니다.

레온 트로츠키는 레닌과 함께 러시아혁명을 성공시킨 인물이었지만, 곧이어 권력을 잡으며 올라온 후배 스탈린에게 밀려 멕시코로 망명을 갔다가 프리다 칼로와 만나게 되었습니다.

디에고 리베라의 외도에 상처를 받은 상태였던 프리다 칼로에게 레온 트로츠키는 정치적 우상이라는 아우라와 함께 마음 속에 훅 들어왔을겁니다. 비록 불륜이라 짧게 만나고 끝났지만요.

그런 그에게 자화상을 선물하며 적극적으로 다가갔던 프리다 칼로는 다시 상처를 받았고, 얼마 안 있어 트로츠키가 스탈린이 보낸 자객에게 암살당했다는 소식은 그녀를 좌절의 심연으로 이끌고 내려갔죠.

이처럼 혼돈의 20세기 초를 온몸으로 겪고 이를 그림으로 풀어낸 멕시코 거장들의 이야기는 언제 봐도 드라마틱합니다.

비록 이번 전시에서 그들의 작품은 볼 수 없지만, 때로는 사진을 통해 사람으로서의 미술사를 이해하며 쉬어가는 것도 좋을 듯하네요.

휴가 가실 분들은 이 미술관도 동선에 넣는걸 함 고려해보세요 :)

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