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큐레이터의 단상/미술사 이야기

옥션 대표의 위엄

2020. 9. 17.

 

당연한 말이지만 내 주변에는 연구자들이 많다. 같은 전공인 미술사 전공자들과 가장 친하게 지내고 있다. 직업군으로 분류하자면 당연히 각 박물관, 미술관의 학예사들이 많고, 이외에도 문화재청 선생님들, 젊은 교수님들과 같이 스터디를 하고 술자리를 종종 가지며 친하게 지내고 있다.

이렇게 연구자들 외에 교분을 나누는 사람들 중에는 대학원, 박물관 업무 등을 통해 알게 된 미술품 매매업 대표(대개 고미술상이라고 부른다. 부르기 쉬운 공식 명칭이 생겼으면 좋겠다), 경매회사 대표도 있다. 이들 중 한 분은 내 고등학교, 대학원 선배(대학원에 입학해서 처음 뵈었는데 알고 보니 고등학교도 선후배 관계였다는 것을 알게 되었다)인데 내가 잘 되기를 진심으로 바라며 언제나 나를 응원해주신다. 나로서는 매번 감사한 마음과 함께 정작 나는 해드리는게 없어 죄송하기만 한 그런 선배이다.

몇 년 전 내가 근대회화 전시를 개최했을 때였다. 토요일로 기억하는데 박물관에 출근해서 전시실을 둘러보고 있었다. 이 중 한 전시실은 박물관 내부가 아닌, 옆에 붙어 있는 아트센터 건물 지하에 있어서 바깥을 통해 관람을 해야했다. 이 전시실로 걸어가는데 우연히 미용실에서 머리를 하고 나오는 선배와 마주치게 되었다. 반갑게 인사를 나눴는데 이때 내가 건넨 인사가 선배에게는 재밌으셨는지 아직도 술자리에서 이를 회상하며 안주삼아 얘기를 꺼내곤 하신다.

"오~ 형은 역시 머리를 청담까지 와서 하시는구만요. ㅋㅋ"

잠깐 짬이 난다는 선배를 강제로 끌고 오다시피해서 전시실로 안내했다. 이때 전시를 보는 선배의 뒷모습을 보며 꽤 큰 충격을 받았다. 선배는 시간이 없어 찬찬히 감상하지 못했는데 전시실을 휙휙 다니면서 작품에 써있는 제발 서체와 낙관만 보고 누구 작품인지 대번에 알아보셨기 때문이다.

당시 그 전시는 대부분이 처음 공개되는, 혹은 작품이 거의 전해지지 않은 작가들의 작품들로 이루어졌었다. 그리고 선배는 회화사가 아니라 도자사 전공자였는데 아무래도 대학원에서 만난 사이였다보니 옥션 대표의 정체성 보다는 나와 다른 전공의 대학원 선배라는 인식이 강해서 꽤 놀랐던 기억이 난다.

새삼 '아 형은 옥션 대표지. 참..'했던 기억이 난다. 더구나 전시를 준비하면서 이 작품이 누구의, 어느 시기 작품인지 알아내기 위해 몇 개월 동안 고생했던 기억과 함께 나는 아직 한참 멀었구나라는 생각도 들었다.

학업과 일의 상관관계에 대해 정답은 없다라고 하지만(쉽게 예를 들어 내 전공과 일이 일치하는게 좋은지, 일치하지 않는게 좋은지에 대한 고민이다), 어차피 공부에서 벗어날 수 없다면 학업과 일이 일치되는 직장을 가지는게 낫다라는 결론에 다다르게 된다. 이때 선배의 모습을 생각하면 더욱 그렇다. 일하면서 습득한 지식의 생명력이 순수 탐구의욕에 의해 섭취된 것보다 강할 때도 있다는 생각이 든다.

 

댓글 1
  • 김용수 2020.09.29 12:19 댓글주소 수정/삭제 댓글쓰기

    기왕이면 일과 전공(흥미)이 일치하는게 더 좋지 않을까 하는 개인적인 생각입니다. 아무리 잘(좋아)하는 것이라도 생계수단이 되면 힘들긴 하겠지만요.

볼 때마다 아쉽게 만드는 작품

2019. 10. 23.

국립중앙박물관에서 실경산수화 전시하면 언제나 섹션 서두에 나오는 노영 필 <담무갈보살 예배도>이다. 그 레퍼토리가 이젠 좀 식상하지만 그걸 상쇄할 정도로 명품인 것은 맞다. 볼 수 있는 것만으로 감지덕지랄까.

나는 이 작품을 볼 때마다 아쉬운 마음이 든다.

대체 고려시대 회화는 어떠하였길래 이런 참신한 구성을 보이는걸까 하는 아쉬움이다.

예배도 형식인데 주존불 하나가 아니라 상하단으로 나누어 담무갈보살과 지장보살을 모두 담고 있다. 이와 동시에 예배도이면서 금강산을 한 켠에도 담은 이런 구성은 전무후무하기 때문이다.

심지어 조선시대에는 감히 표현할 수 없어 빈 의자만 그렸는데 이 작품에는 대놓고 왕을 그려 넣었다. 그것도 엎드린채 말이다. 또 혹시나 누가 왕인걸 모를까봐 떡하니 '太祖'라는 메모도 써줬다.

또 휑하게 보일까 걱정했는지 공간에는 소용돌이로 가득 메워놔서 환상성을 더하고 있다. 이런 표현 역시 전무후무하다.

그러나 나는 전무후무한게 아니라 당시 트렌드였다는걸 알고 싶다. 그러려면 고려시대 회화가 더 많이 전해져야 하는데 현재로선 알 길이 없다.

고려는 대체 무슨 나라였는가. 청자로 울타리를 치질 않나, 벽 타일을 만들질 않나.

중세회화가 붕 떠 있는 상태라는건 연구자로서 생각할수록 아쉽고 불행하다는 생각마저 든다.

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로코코 미술 탄생과 미술시장의 변화

2019. 8. 16.


17세기 전반 루이 14세 때까지만 해도 유럽에선 독창적인 자기 문화라는 것이 없었다.

그러던 와중에 네덜란드로부터 시작된 중국 도자기 수입이 전유럽 왕실과 귀족들 사이에서 크게 인기를 얻게 되었다.

그 인기가 어느 정도였냐면 무언가를 담는 목적의 도자기를 본연의 용도로 바라보지 않고 인테리어 장식으로 쓸 정도였다. 당시 사료들을 보면 중국 도자기를 벽에 덕지덕지 붙이는 것은 기본이고, 항아리가 막 지붕 위에 붙어있는 등 난리도 아니었다.

왕실, 귀족들 사이에서 큰 인기를 얻게 되자 당연히 대량으로 수입을 하기 시작했고, 중국 수입 도자기는 당시 미술상인들의 주요 품목으로 자리잡았다.

그런데.
루이 15세 시절에 그토록 염원하던 자기 생산에 성공하게 되었다. 독일 마이센 자기 생산에 자극받아 루이 15세와 그렇고 그런 사이였던 퐁파두르 부인이 적극 후원해서 프랑스도 자기를 만들게 되었는데, 그게 바로 세브르 자기이다.

더불어 루이를 상징하는 '루이 블루'와 본인을 상징하는 '퐁파두르 로즈'라는 화려한 채색기법도 개발하였는데 이는 S자형 곡선과 조개 무늬를 기본 틀로 하는 로코코 양식의 시작으로 이어졌다.

당연히 왕실, 귀족들은 자기네 세브르 자기에 열광했는데 문제는 미리 중국에서 물건을 잔뜩 떼어 온 파리의 미술상들이었다.

가뜩이나 먼 바닷길을 건너오느라 파손된 것도 많았으며 완제품도 이제는 파리가 날릴 지경이 되어버린 것이다.

그러자 그들은 어떻게든 떨이 처리를 하기 위해 아이디어를 냈다. 바로 로코코 양식의 금박 틀을 중국 도자기에 끼워서 판매하기 시작한 것이다. 이 방식은 깨진 도자기에도 응용할 수 있는 획기적인 방식이었다.

이후 판매 장부같은 것을 확인할 수 없어 얼마나 이윤을 남겼는지는 모르겠지만, 역시 상인들의 기민함은 예나 지금이나 대단할 뿐이다.

상업, 교역, 자본이 미술양식의 변천을 이끈 흔치 않은 사례이다.

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히틀러 나치의 <퇴폐 예술>전과 일본

2019. 8. 10.

일본의 <평화의 소녀상> 철거를 위한 집요함(이라 쓰고 천박한 찌질함이라 이해하면 된다)을 보면서 1937년 나치의 <퇴폐 예술>전이 자연스레 떠올랐다.

인체를 정신적으로, 물리적으로 국가의 예속 하에 두려했던 파시즘은 예술을 대하는게 예나 지금이나 변함이 없다. 그런 목적 때문에 인체를 왜곡하고, 개인의 주관성을 표출한 모더니즘은 결코 용납할 수 없는 것이었다.

그리고 정권의 유지를 위해서는 언제나 공격 대상이 필요했고, 이를 선전하기 위한 파시즘 미술에서는 언제나 고전주의 양식이 악용되었다.

정치적으로 나치에게 필요한 공격 대상이 유대인과 집시 그리고 공산주의자였다면, 이를 은유적으로 푼 나치 미술에서는 여성을 타자화하고 소름끼칠 정도로 무결한 남근 숭배적인 고전주의 양식을 표출하였다.

발터 벤야민의 나치 미술에 대한 평가를 응용하자면, 현재 일본의 자기 소외는 스스로의 파멸을 최고의 미적 쾌락으로 여기는 수준까지 다다른 듯하다.

여담으로,
나치가 모더니즘 미술을 조롱하기 위해 전시한 <퇴폐 미술>전은 나치가 스스로를 선전하기 위해 나란히 전시한 <위대한 독일 미술>전보다 압도적으로 흥행에 성공했다(200만 명 vs. 40만 명). 물은 아무리 막아도 어찌되었든 바다로 흘러가듯이, 역사도 결국 지켜야 할 인류 보편의 가치라는 바다로 간다는 점을 잘 보여준다.

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[대지미술] 미술이란 무엇인가

2018. 9. 6.

로버트 스미스슨, <나선형의 방파제>, 1970


대지미술 작품을 볼 때마다 서양의 자연을 바라보는 관점에 대해 의문을 갖게 된다. 대지미술은 미술관, 갤러리의 권력, 상업성, 그리고 미술의 형식을 반대하며 자연을 표현의 대상으로 삼은 미술사조이다. 


뿌리깊은 이성 중심, 인간 중심 사고에 의해 미술이 전개되어온 옛 미술론에서 벗어나 자연으로 돌아가서 본질을 찾자고 외친 것이다. 동양은 이미 고대부터 자연합일을 꿈꾸며 미술에 녹였던 것을 서양은 20세기에 비로소 시작하였다. 시공간이 다르니 절대비교를 할 수는 없지만 항상 서양이 한 템포 늦다는 인상은 지울 수 없다.


어찌됐건 자연 그 자체를 대상으로 삼자는 취지는 좋았지만 로버트 스미스슨의 작품에서 볼 수 있듯이 결국 인간의 손으로, 인위적으로 자연을 ‘개조’해놓았다.


그리고 미술의 상업성 타파를 외치며 자연으로 돌아갔지만 이 작업을 성공시키려면 결국 많은 자본이 들어가야 되고, 사람들에게 선보이려면 사진으로 찍어 그토록 떠나고자 했던 미술관에 들어가 전시할 수 밖에 없다는 점은 ‘미술이란 무엇인가’에 대해 다시 고민하게 만든다.



댓글 1
  • 스터디들어가고픈1인 2018.11.20 10:13 댓글주소 수정/삭제 댓글쓰기

    갠적으로 알기로는 저기 성지(?)처럼 방문 가능한 걸로 알고 있습니당.. 사진 찍어서 갤러리에서 전시한건 잘 모르겠지만;; 로마의 원형경기장등 고대 성지들처럼 현대우리의 삶이 남긴 자취가 미래에 랜드마크가 되는 것에 대해 어쩌구 저쩌구 얘기하던 글이 생각나네요.. 너무 오래되서 기억은 가물가물하지만;; 그런의미에서 인공적인 면이 가미되지 않을 수 밖에 없지 않았을까 하는 생각도 듭니당.. 랜드아트랑 enviornmental art랑은 뭐가 다를지도 궁금해지네요.. 흠..